Al Festival del Cinema Europeo, il turismo senza memoria nella Bosnia insanguinata dalla “pulizia etnica”

Una scena di “For Those Who Can Tell No Tales”, il film che ha inaugurato a Lecce, fuori concorso, il XV Festival del Cinema Europeo

Una scena di “For Those Who Can Tell No Tales”, il film che ha inaugurato a Lecce, fuori concorso, il XV Festival del Cinema Europeo

(di Paolo Calcagno) Urla e lacrime sono dimenticate. Il sangue versato, ignorato. A Visegrad, al confine tra la Bosnia e la Serbia, il ricordo degli stupri di massa e dei massacri è sepolto dal velo nero della rimozione. Il lutto non soltanto non è stato elaborato, ma viene addirittura negato. La memoria del dolore è un “extra dividend” che la gente del posto non può e non vuole permettersi. C’è, però, nell’aria l’incubo dell’orrore, le vibrazioni del terremoto dell’anima, come se in quel luogo si materializzasse la soglia dell’inferno. “For Those Who Can Tell No Tales”, per quelli che non hanno storie da raccontare, che non possono (perché sono morti), o che non vogliono (perché preferiscono fingere che non siano accadute), la regista di Sarajevo, Jasmila Zbanic, Orso d’Oro a Berlino, nel 2006, con “Il Segreto di Esma”, ha illustrato in immagini la negazione della memoria con il suo nuovo film che ha inaugurato, fuori concorso, in anteprima italiana, il 15mo Festival del Cinema Europeo, a Lecce.
Il titolo del film è tratto dal primo romanzo del Premio Nobel Ivo Andric (l’unico dei Balcani per la letteratura), “Il ponte sulla Drina”. E lungo i 180 metri di pietre levigate che collegano le sponde della Srpska di Bosnia passeggia, sgomenta, la turista australiana Kym Vercoe, volata fin lì da Sydney, sospinta da misteriose e irrefrenabili suggestioni, attratta da una vacanza che le squarcerà la coscienza.
Il film è stato progettato nel 2012: circa vent’anni prima, lungo tutto il ponte, furono sdraiati i cadaveri di 1785 musulmani, torturati e giustiziati (la cosiddetta “pulizia etnica”). E le cronache di allora raccontano che su quel ponte medievale, costruito su undici arcate nel XVI secolo dal gran visir Mehmed Paša Sokolovic, non si riusciva a restare in piedi, che il sangue era talmente tanto, e sparso ovunque, che aveva reso quelle pietre scivolose impraticabili per qualsiasi tipo di scarpa, o scarpone. La turista australiana segue la guida di Tim Clancy che, ovviamente, evita di “sporcare” con dei macabri riferimenti storici la stimolante descrizione di quel prodigio di architettura. Sempre su quella guida, Kym si fa allettare dall’invito a trascorrere “una notte romantica” nell’hotel Vilina Vlas, nei dintorni di Višegrad. Anche stavolta il buon Clancy omette di aggiungere che, quando esplose la guerra civile in Bosnia, nelle stanze di quell’albergo furono rinchiuse stuprate e uccise 200 donne (ancora “pulizia etnica”) e che alcune di esse, in preda al terrore, si lanciarono dai balconi per porre fine ai supplizi inferti dai “fratelli serbi”. Quando Kym scopre le barbarie commesse in quel luogo decide che non può continuare a sentirsi una turista in vacanza. Tenta di saperne di più, ma viene fermata e trattenuta dalla polizia che la deride quando la ragazza accenna agli eccidi.
Pochi mesi fa, alcuni cittadini avevano costruito una specie di stele su una proprietà privata. Sono arrivati in cento poliziotti per cancellare la parola “genocidio”. Il governo sta tentando di occultare i crimini perché chi li ha commessi, o ha permesso che venissero commessi, fa attualmente parte delle istituzioni di polizia, giudiziarie, educative e politiche”, ha commentato Jasmila Zbanic. Il film è tratto da una storia vera, messa in scena da Kym Vercoe che, poi, è diventata la protagonista del film della Zbanic, quando la regista ha deciso di portarla sullo schermo.
Siamo stati avvisati che fare un film come questo sarebbe stato molto pericoloso e che non eravamo al sicuro a Visegrad – ha aggiunto Jasmila Zbanic -. Ma il film doveva essere girato a Visegrad e abbiamo deciso di correre il rischio. Non abbiamo detto agli abitanti di Visegrad che tipo di film stavamo girando e un mio amico serbo si è prestato a fingere di essere il regista del film. Ho voluto realizzare un film sulla Bosnia di oggi, non su quella del passato. Abbiamo bisogno di dialogo, i giovani hanno bisogno di sapere e di capire, e tutto ciò non è possibile se si nega la storia. Non è questa la strada per superare ciò che di terribile è stato commesso durante la guerra. Era questo che volevo mettere in evidenza e ho pensato che lo sguardo di una straniera, un’australiana, non di parte, poteva raggiungere lo scopo con maggiore serenità ed efficacia”. Le immagini del film sono belle, ma il coinvolgimento di Kym Vercoe è poco emozionante. Il problema del film di Jasmila Zbanic è lo sguardo “neutrale” della protagonista: non è sufficiente ad informare adeguatamente lo spettatore su quanto è accaduto da quelle parti, oltre vent’anni fa. “For Those Who Can Tell No Tales” manca di rievocazione, di ricordi che informino quanti sanno poco o niente (la maggioranza dei giovani) degli orrori commessi in Bosnia, in nome della “pulizia etnica”. Il film è un ibrido e questo è il suo limite: per metà è réportage, per metà è fiction. La sua debolezza principale sta nel non essere abbastanza profondo, in quanto réportage frenato dalla fiction; né efficacemente coinvolgente, in quanto fiction appesantita dal réportage.
“For Those Who Can Tell No Tales”, regia di Jasmila Zbanic, con Kym Vercoe. Bosnia 2013

I film della settimana (dal 30.4): “Brick Mansions”, l’ultimo film di Paul Walker prima del tragico incidente

Un fidanzato per mia moglie” (Durata: 97 – Regia: Davide Marengo – Con Luca Bizzarri, Paolo Kessisoglu, Geppi Cucciari, Dino Abbrescia – Commedia – Italia). Camilla (Geppi Cucciari) lascia la Sardegna e si trasferisce nel capoluogo lombardo per amore di Simone (Paolo Kessisoglu), milanese al 100%. Dopo due anni la coppia entra in crisi. La convivenza invece di ammorbidire i loro difetti, li ha amplificati. Lei incapace di conservare un lavoro per più di pochi mesi, accoglie regolarmente ogni sera il marito con continue lamentele su tutto, mentre lui stanco di questo rapporto non ha il coraggio di lasciarla. Però…
Locke” (Durata: 85 – Regia: Steven Knight – Con Tom Hardy, Ruth Wilson, Andrew Scott, Olivia Colman – Drammatico – Usa, Regno Unito). Ivan Locke (Tom Hardy) ha lavorato sodo per costruirsi la sua vita. Ma in una sola notte tutto gli crollerà addosso. Ivan riceve una telefonata che scatenerà una serie di eventi dagli effetti catastrofici per la sua famiglia, la sua carriera e la sua anima
Il mondo fino in fondo” (Durata: 95 – Regia: Alessandro Lunardelli – Con Filippo Scicchitano, Luca Marinelli, Barbora Bobulova, Camilla Filippi – Commedia – Italia). Davide e suo fratello Loris vivono ad Agro, un paesino del nord Italia. Figli di un industriale della zona, i due lavorano nella fabbrica di famiglia. Davide ha diciotto anni ed è gay, Loris ha quasi trent’anni e non ha idea che suo fratello sia omosessuale, per lui l’unica cosa che conta è il calcio, o meglio, l’Inter. È proprio per seguire in trasferta la sua squadra del cuore che Loris chiede a Davide di andare con lui a Barcellona a vedere la partita. In Spagna, Davide conosce Andy, cileno ed ecologista convinto, di cui si invaghisce al primo sguardo; Andy invita Davide ad andare con lui a Santiago e il ragazzo non può fare a meno di seguirlo...
Tracks – Attraverso il deserto” (Durata: 115 – Regia: John Curran – Con Mia Wasikowska, Adam Driver, Emma Booth, Rainer Bock – Drammatico – Regno Unito, Australia). Tratto dalla storia vera di Robyn Davidson. Nel suo straordinario viaggio in solitaria, Robyn ha percorso a piedi 2.700 chilometri di deserto australiano, un ambiente spettacolare ma spietato, accompagnata solo dal suo cane Diggity e da quattro cammelli. Rick Smolan, giovane e carismatico fotografo del “New Yorker” e del “National Geographic”, l’ha seguita in alcune delle tappe del viaggio per raccontare la leggendaria traversata di uno dei più impervi deserti del mondo...
Violetta – Backstage Pass” (Durata: 100 – Regia: AA.VV. – Con Martina Stoessel – Musicale – Italia). Dodici attori del cast, capitanati dalla giovane protagonista Martina Stoessel, sono impegnati a interpretare le hit di successo della prima e seconda stagione della serie tv cult di Disney Channel durante l’incredibile performance dello scorso gennaio in Italia. Ad arricchire lo spettacolo ci sono inediti dietro le quinte che ci racconteranno come i protagonisti hanno vissuto il tour Italiano.
Da giovedì 1 maggio

Paul Walker in "Brick Mansions. E' stato il suo ultimo film prima del tragico incidente in cui perse la vita

Paul Walker in “Brick Mansions. E’ stato il suo ultimo film prima del tragico incidente in cui perse la vita

Brick Mansions” (Durata: 90 – Regia: Camille Delamarre – Con Paul Walker, David Belle, Robert Maillet, RZA – Azione – Nazionalità: Francia, Canada). È interpretato da Paul Walker (nella foto), l’ultimo suo film prima del tragico incidente d’auto in cui perse la vita il 30 novembre 2013. Il film è un remake del thriller d’azione francese “District B13”, ambientato in una Detroit distopica. Qui, fra palazzi di mattoni abbandonati dai tempi migliori, ora abitati solo dai criminali più pericolosi, per il poliziotto Damien Collier ogni giorno è una battaglia contro il crimine. Damien accetta a malincuore l’aiuto d’un coraggioso ex galeotto, e insieme dovranno fermare un sinistro complotto ed evitare la devastazione dell’intera città.
Nut Job – Operazione Noccioline” (Durata: 90 – Regia: Peter Lepeniotis – Animazione – Usa). C’era una volta “The Italian Job” con Michael Caine impegnato in una complicatissima rapina. Questa volta, al posto dell’attore inglese, c’è un piccolo scoiattolo newyorkese alle prese con l’arrivo dell’inverno e una fame senza confini. Surly, questo il nome del simpaticissimo animaletto, sotto la cui morbida apparenza, vive uno spirito sarcastico e ribelle che non si fida di niente e di nessuno. Un osso duro molto furbo che, però, inizierà a sciogliersi davanti alla scoiattolina Andie…

Una speranza di “Felicità” (nascosta in una “Sedia”) nell’ultimo messaggio di Carlo Mazzacurati

I protagonisti di “La sedia della felicità”: un tenero messaggio di speranza e di ottimismo di Carlo Mazzacurati, scomparso il 22 gennaio scorso a 58 anni

I protagonisti di “La sedia della felicità”: un tenero messaggio di speranza e di ottimismo di Carlo Mazzacurati, scomparso il 22 gennaio scorso a 58 anni

(di Paolo Calcagno) Le piccole storie dei film di Carlo Mazzacurati sono regali preziosi per la conoscenza e per la prova delle emozioni. L’ho amato da subito con il noir “Notte Italiana” e quando l’ho incontrato di persona per “L’Estate di Davide”, proiettato in “anteprima” a un’anomala e critica “Antenna/Cinema”, trasferitasi da Conegliano a Padova. Fu un giorno particolarmente fortunato grazie alle scelte, sempre acute, di Giorgio Gosetti e Carlo Di Carlo: dopo l’incontro del pomeriggio con Mazzacurati e il suo Cinema, anche la sera fu lieta e vibrante con i monologhi di un altro veneto di alto valore, Marco Paolini. Ricordo che il giorno dopo passeggiare per le strade di Padova non era più soltanto piacevole per le scoperte delle sue bellezze straordinarie, ma si arricchì di un’intimità profonda, come se fossimo parte di quel paesaggio umano, non sempre facilmente accessibile.
Carlo Mazzacurati è scomparso lo scorso 22 gennaio, a 58 anni, e non starò qui a farne un tardivo “coccodrillo”. L’uscita del suo ultimo film “La Sedia della Felicità” è, però, un’occasione per ricordare, sia pure brevemente, quanto è contato il talento dello sceneggiatore e regista (anche di documentari di ampio respiro) che ha raccontato la provincia del Nord-Est con affetto, ironia, e persino con qualche ira fustigatoria, per consolidare il nostro amore per il Cinema. E quanto ci mancherà.
Il Leone d’Argento per la regia, conquistato a Venezia con “Il Toro”, e le sue fortunate collaborazioni con registi tanto diversi da lui, per formazione, stile, tematiche, quali Gabriele Salvatores, Neri Parenti, Daniele Luchetti, e Nanni Moretti (compare in ben quattro suoi film), sottolineano compiutamente il livello di qualità espresso da Mazzacurati, la sua capacità di dialogo e la sua agilità nel muoversi fra i quattro angoli della gioia, leggerezza, curiosità, critica sociale, della nostra commedia. Gioia e leggerezza, intinte nelle sfumature cromatiche del surreale e del grottesco, compongono il quadro de “la Sedia della Felicità”, di cui sono protagonisti tre personaggi stralunati, quanto audaci e risoluti a vivere fino in fondo l’avventura che ha per traguardo il riscatto delle loro esistenze marginali: un tatuatore romano (Valerio Mastandrea), un’estetista siciliana (Isabella Ragonese) e un misterioso prete (Giuseppe Battiston), prima rivali e poi alleati nella ricerca del favoloso tesoro nascosto in una sedia. Inseguimenti, equivoci, colpi di scena, farciscono il divertimento dell’incontro dei nostri “eroi” con i riluttanti proprietari delle sedie tanto inseguite, interpretati in irresistibili “camei” dagli attori più amati da Mazzacurati: Fabrizio Bentivoglio, Antonio Albanese, Silvio Orlando, Katia Ricciarelli, Roberto Citran, Raul Cremona, Marco Marzocca, Milena Vukotic.
Alternato a inquadrature di vette innevate, Mazzacurati dipinge il suo sgangherato paesaggio umano di perdenti virato sul “giallo” comico, fra maghi cialtroni, montanari pittori, impiegate ninfomani, conduttori di aste-tv, pescivendoli incazzati. Tratto da una novella russa, che ha già conosciuto decine di versioni cinematografiche, fra cui “Una su 13” (1969), Nicolas Gessner e Luciano Lucignani, con Vittorio Gassman, Vittorio De Sica, Orson Welles, Sharon Tate, e “Il Mistero delle 12 Sedie” (1970), di Mel Brooks. La storia del racconto incomincia con uno zio morente che confida al nipote di aver infilato dei diamanti nell’imbottitura di una delle 13 sedie che possedeva, prima che gli venissero confiscate e vendute all’asta. Il giovane con l’aiuto di un poco di buono e di un pope avido si mette a caccia del tesoro. Nel film di Mazzacurati, a confidare il segreto è la rantolante Katia Ricciarelli all’estetista Isabella Aragonese che, a sua volta, ne parla al tatuatore Valerio Mastandrea. Inganni, sotterfugi, alleanze, e persino l’amore, sono sparsi nella “caccia al tesoro” degli eccellenti interpreti della coppia di imbranati protagonisti, affiancata dallo scaltro prete dell’ottimo Giuseppe Battiston.
Il tesoro che allevierà le pene esistenziali dei protagonisti del film provocando contagiose esplosioni di allegria, i vari mestieri dei numerosi personaggi, sono l’ultimo messaggio dello scomparso regista a un’Italia che va scomparendo, sull’orlo di una crisi finanziaria, certo, ma anche d’identità. Un’Italia alla quale Mazzacurati augura il lieto fine del ritrovamento del suo “tesoro”, come ha scritto nelle sue note di regia: “Avevo il desiderio di narrare una storia in tono comico, senza però perdere realismo né verità. Volevo anche che l’umanità di questo racconto emergesse a volte attraverso le forme del grottesco, a volte in toni più lirici, ma la cosa che più mi stava a cuore era di riuscire a tenere insieme il senso di catastrofe, in cui sembra che tutti stiamo cadendo, con l’energia e la voglia di riscatto che nonostante tutto si sente nell’aria”.
“La Sedia della Felicità”, di Carlo Mazzacurati, con Isabella Aragonese, Valerio Mastandrea, Giuseppe Battiston. Italia 2013.

Johnny Depp, imbottito di pixel, sopravvive in un computer e minaccia la distruzione del mondo

La mente d’un famoso scienziato (Johnny Depp) sopravvive dentro un computer: tragiche conseguenze nel film di Wally Pfister, “Transcendence”

La mente d’un famoso scienziato (Johnny Depp) sopravvive dentro un computer: tragiche conseguenze nel film di Wally Pfister, “Transcendence”

(di Paolo Calcagno) Wally Pfister è un maestro della fotografia cinematografica e da 15 anni realizza le immagini del “mago” capace dei trucchi (e dei racconti) più fantasiosi e affascinanti di Hollywood, quel Christopher Nolan che da “Memento” a “Inception” ha consentito al suo pupillo di guadagnarsi un Oscar e tre nominations. La fantascienza e i percorsi più azzardati della “sci-fi” sono stati le linee-guida dei film di Nolan, sulle quali Pfister si è formato ed è cresciuto. Volendo provare a fare da solo, l’ex direttore della fotografia ha scelto per il suo esordio nella regia il terreno praticato a lungo con Nolan e si è affidato alla sceneggiatura originale di Jack Paglen (anch’egli al debutto) per il suo primo film, “Transcendence”, sul tema assai intrigante della grande sfida tra A.I. (Intelligenza artificiale) e facoltà umane.
Diciamo subito che il film è un insieme di occasioni sprecate, a partire dal protagonista Johnny Depp, indicato a suo tempo da Marlon Brando come l’attore più in gamba in circolazione, che qui non ha occasioni per confermare il giudizio del magnifico “Selvaggio” che ci incantò per anni sul grande schermo. Depp è il Dr. Will Caster, ricercatore di fama mondiale, schivo e riservato che vive e studia con l’inseparabile moglie Evelyn (Rebecca Hall), alternandosi tra la cura botanica di un giardino all’antica e la costruzione di un computer potenzialmente senziente, battezzato Pinn (Physically Independent Neural Network), in grado di elaborare i dati del sapere collettivo universale e unirli a una mente consapevole, dotata di ogni tipo di emozione. “Qual è la natura della coscienza? C’è un’anima? E se sì, dove si trova?”, ci chiede Pfister scolpendo nel marmo i dubbi che genera il suo racconto e tentando di coinvolgerci appassionatamente nel dibattito aperto dal suo film con le parole, laddove dovrebbe riuscire con le emozioni delle immagini. A margine di un convegno lo scienziato è bersaglio del mortale attentato dei terroristi di Revolutionary Indipendence From Technology (Rift), al grido di “Evoluzione senza Tecnologia”. Gli estremisti sono disposti perfino a uccidere per opporsi al dominio della tecnologia sul genere umano. La moglie di Caster con l’aiuto del neurobiologo Max Waters (Paul Bettany) e il via libera del “grande vecchio” Joseph (il premio Oscar Morgan Freeman) decide di salvare cuore e mente del marito portando a termine l’esperimento dello scienziato, caricando in Pinn pensieri ed emozioni del grande studioso e ottenendo, così, la sua “Trascendenza”. Il sapere di Caster si serve delle illimitate capacità di calcolo della macchina per crescere in misura esponenziale, consentendo a Pfister di mostrarci i terribili effetti della sua sentenza iniziale: “Una volta on-line, una macchina senziente supererà rapidamente i limiti della biologia. Il suo potere analitico sarà più grande dell’intelligenza collettiva del sapere universale. Immagina una tale entità con l’intera gamma delle emozioni, perfino la coscienza di sé. Io la chiamo Trascendenza”.
Senza particolari colpi di genio illustrativi Pfister, e con la guida di una sceneggiatura poco brillante, fa virare verso il thriller il suo film fantascientifico che, al di là della proposta del tema attraente della lotta tra Intelligenza Artificiale e il sapere umano, non aggancia né affascina con le riprese e il montaggio delle sequenze. Troppa carne al fuoco, e non all’altezza il talento del neoregista per inchiodare lo spettatore con meraviglie visive. Lo sviluppo del racconto, con i dubbi sulle finalità e gli obiettivi del cyberscienziato, il terrore che la mostruosa creatura generata tra la simbiosi della sua eletta conoscenza e la potenza di calcolo di Pinn, la disperazione per l’ipotesi tangibile della fine delle umane sorti sopraffatte dall’influenza e da potere dell’A.I. che, addirittura, conduce all’alleanza tra istituzioni e terroristi, sono affastellati in una narrazione impastata, confusa, superficiale, e persino fastidiosa a causa della melassina dell’ulteriore ingrediente dell’incrollabile fede sentimentale della tenace signora Caster nella positiva indole dell’adorato maritino, sebbene inscatolato e imbottito di pixel e algoritmi. Max Waters e, persino, Joseph si allarmano temendo che la tremenda unione Pinn-Caster possa violare le “Tre leggi della Robotica” che Isaac Asimov stabilì a protezione del genere umano dalle sue invenzioni artificialmente intelligenti. L’incrocio tra A.I. e il bagaglio di emozioni di Caster minaccia una nuova “morale cybernetica”, inappellabile e non riconducibile alle virtuose intenzioni originarie, una volta lanciato e incrementato a dismisura l’impulso distruttivo. I terroristi, spalleggiati dai responsabili dello Stato, vogliono radere al suolo ogni cosa, dando ragione a chi sostiene che “l’umano tende a distruggere ciò che non capisce”. Intanto, il professor Caster si serve degli straordinari mezzi del computer per guarire e riabbracciare la moglie, in carne e ossa. Il finale sorprendente e “rugiadoso” conclude il film in maniera insulsa come, del resto, era incominciato. Tuttavia, resta forte l’inquietudine dell’interrogativo posto da “Transcendence” sull’attualità dell’accelerazione tecnologica e sull’opportunità di prepararsi a cambiamenti radicali.
Il film di Wally Pfister, per certi versi, non è pura fantascienza. Come ci ricorda Singularity University, gli ultimi 100 anni hanno portato più progressi tecnologici di quanto ne siano stati prodotti nei recenti mille. “Se la capacità di calcolo dei computer continuerà a crescere – aggiunge SU – alla stesa velocità con cui è cresciuta negli ultimi decenni, entro il 2025 vi saranno computer da mille dollari più potenti di un cervello umano. Ed entro il 2045, allo stesso costo, l’A.I. supererà la capacità di calcolo della somma di 10 miliardi di cervelli umani”.
“Transcendence”, regia di Wally Pfister, con Johnny Depp, Rebecca Hall, Paul Bettany, Morgan Freeman. Stati Uniti 2013