Godot al Puccini con Balasso e Ferrini. E Beckett è diventato autore comico di varietà

Milano. Natalino Balasso e Jurij Ferrini in “Aspettando Godot” di Samuel Beckett in scena all’Elfo Puccini (foto Massimo Battista)

Milano. Natalino Balasso e Jurij Ferrini in “Aspettando Godot” di Samuel Beckett in scena all’Elfo Puccini (foto Massimo Battista)


(di Paolo A. Paganini) “Aspettando Godot”: un classico dell’assurdo, con connotazioni allegoriche, via via criticamene studiate, analizzate, in una vasta saggistica, dalla filosofia alla sociologia, alla metafisica, vista soprattutto come metafora del vivere umano. Tragicomica storia di Estragone e Vladimiro. Angosciosamente annoiati, in un’anonima e deserta strada di campagna con un albero stecchito, aspettano, senza un perché, un misterioso personaggio, che non arriva mai, cioè Godot. Arriva invece Pozzo, crudele padrone di Lucky, rassegnato masochista, tirato per una corda, che balla o canta o parla a comando. I quattro si scambiano battute, tengono discorsi infarciti di tutto e di niente, tra inutili ricordi, illogiche riflessioni e lucidi deliri senza senso. Quando Pozzo e Lucky se ne vanno, arriva un messaggero ad annunciare che per quella sera Godot non arriverà. Ma domani senz’altro. Fine del primo tempo. Inizio del secondo. I due stanno ancora attendendo. Ma, anziché Godot, arrivano di nuovo Pozzo, cieco e piagnucoloso, e Lucky, muto e senza memoria. Se ne andranno di nuovo e il messaggero del giorno precedente annuncia che anche quella sera Godot non arriverà, ma l’indomani certamente. Ancora soli, Estragone e Vladimiro, per ammazzare il tempo, cercano d’impiccarsi, ci ripensano e restano lì, come sempre, perché morire o vivere, andarsene o restare è lo stesso.
Samuel Beckett, uno dei padri del teatro dell’assurdo, scrisse “Godot” nel 1953, ispirato probabilmente dai grandi comici americani, da Chaplin a Buster Keaton, dai fratelli Marx a Stanlio e Ollio. Se ne sono sentite le influenze, più o meno palesi, in tanti passati allestimenti, da quello comicamente assurdo e vagamente cabarettistico dell’incredibile quartetto Gaber, Jannacci, Rossi, Andreasi nel 1990, a quello di Mario Scaccia (1997), e poi ancora dall’allestimento con Giulio Bosetti (1998) a quello di Pasqual al Piccolo (1999) e a quello di Luca De Flippo (2002).
Ora, all’Elfo Puccini, l’assunto comico è stato preso come assoluta certezza drammaturgica e, nei due tempi (uno di 1 ora e dieci e l’altro di 50 minuti) è stata messa in scena una scatenata performance di gag del più classico ed antico varietà, con tanto di spalla e comico in alternanza di ruoli, in uno scatenamento di risate, peraltro sostenute da un testo che sembra in realtà fatto apposta per diventare qualcosa di poco serio. Ma l’angoscia beckettiana, la disperata impotenza di una parola privata di significato, l’angoscia insomma dell’incomunicabilità, anzi l’angoscia di cercare di comunicare l’incomunicabilità, sono scomparse da questa deserta landa di disperati senza disperazione. D’altra parte, lo stesso Beckett scrisse una volta: “Non ho niente da dire ma posso soltanto dire fino a che punto non ho niente da dire…” Più che le parole, dunque, che dicono e non dicono, che ora affermano e subito dopo negano, contano i gesti, a fare da contorno a un’unica, immensa, imperscrutabile protagonista: l’Attesa. Il dramma dell’Attesa, grande, immane, tragica metafora dell’alienazione umana, di un’umanità, sfinita e disfatta, che attende e spera, che spera e attende senza sapere perché.
E il pubblico ancora una volta ne è conquistato, soggiogato, attento ma soprattutto gaudiosamente divertito, ma mai imbarazzato, mai a disagio. Il destino dell’uomo nel deserto della vita non interessa ormai più a nessuno.
Natalino Balasso e Jurij Ferrini (anche regia), come Estragone e Vladimiro, sono una perfetta ed affiatata coppia comica, servita involontariamente (?) da un testo che, volendolo rigirare su questo versante, sembra fatto apposta per far ridere. Angelo Tronca e Michele Schiano di Cola sono rispettivamente lo schiavista Pozzo (bene ma un po’ troppo squillante) e l’amebico Lucky. Successo strepitoso di risate ed applausi, con sei chiamate alla fine.

Si replica fino a domenica 17.

Alarico Salaroli e Marco Balbi: bravi, ma senza la follia di Cervantes non vanno da nessuna parte

Milano. Una scena di “Don Chisciotte - Opera Pop” al Teatro Menotti.

Milano. Una scena di “Don Chisciotte – Opera Pop” al Teatro Menotti.

(di Francesca Paganini) È notte, le saracinesche sono abbassate e mucchi di pneumatici sono sparsi sul palcoscenico. A rompere il silenzio è il richiamo disperato di Don Chisciotte alla ricerca del suo Sancio Panza, il quale naturalmente, vista l’ora, sta dormendo rannicchiato tra il suo ronzino e quelle ruote. Ma subito è pronto per il suo signore, pronto alle nuove avventure, alle nuove ingiustizie e ai nuovi soprusi da sanare. Peccato che quel viaggio non inizi mai, che quelle promesse non vengano mai mantenute, che la follia onirica che Cervantes ci descrive nella sua opera non divenga mai per noi sogno da desiderare. E anche quando le serrande si aprono su una locanda, dopo che una Vespa, sì, una vera moto rombante, ha ammorbato l’aria di pestilenziale gas di scarico (forse a ricordarci che siamo a Milano), lo spettacolo, a quel punto, si siede definitivamente e non va da nessuna parte. Peccato, perché il Don Chisciotte di Alarico Salaroli, attore di fine professionalità, avrebbe avuto tutti i numeri per innalzarsi sulle ali della follia visionaria di Cervantes. E Marco Balbi, altro grande della scena milanese, nelle vesti di Sancio, bene avrebbe potuto rendere la semplice, genuina e grossolana ammirazione per quel cavaliere così tristo ma affascinante. Ma testo e regia non li hanno serviti. Ed anche le musiche del pianista Alessandro Nidi avrebbero potuto contribuire alla follia in modo molto più originale, quando invece sono risultate abbastanza scontate. Si sono, comunque, distinti la cantante Helena Hellwig per la sua vocalità drammatica e comunicativa, la contrabbassista Francesca Li Causi e il chitarrista percussionista Enrico Ballardini (anche in brevi parti recitate). Regia e drammaturgia di Emilio Russo.

Lo spettacolo “Don Chisciotte – Opera Pop” (un’ora e trenta senza intervallo) sarà in scena al Teatro Menotti fino a giovedì 28 novembre.

Gara di primedonne a furor di risate, la Finocchiaro e la Monti, in “scena” al Teatro Manzoni

Milano. Maria Amelia Monti, Stefano Annoni e Angela Finocchiaro in “La scena” di Cristina Comencini, al Teatro Manzoni (foto Fabio Lovino).

Milano. Maria Amelia Monti, Stefano Annoni e Angela Finocchiaro in “La scena” di Cristina Comencini, al Teatro Manzoni (foto Fabio Lovino).


(di Paolo A. Paganini) Anche il termine “scena”, come la maggior parte delle parole italiane, può estendersi figurativamente ad altri significati. Non è solo il luogo dove si svolge un’azione teatrale, seppur con altre pertinenti espressioni, del tipo “mettere in scena”. Ma c’è anche “venire sulla scena del mondo” per la nascita d’un bimbo, o “uscir di scena”, come per esempio uscire dalla vita politica o, più drasticamente, tirar le cuoia. E, se qualcuno esagera in espressioni o comportamento, siamo pronti a dirgli “non fare tante scene”. E poi c’è “il colpo di scena” o l’amante che ti fa “una scenata” o “una scena di gelosia”. E nella cronaca nera si parla della “scena del delitto” o della “scena dell’incidente”…
Orbene, la regista e drammaturga Cristina Comencini ha messo in “scena”, al Teatro Manzoni, l’atto unico di ottanta minuti senza intervallo, intitolato “Scena”. E non sapremo fino alla fine di quale “scena” si tratta. (Ahimè, quante volte dovrò ancora nominare questa parola?) E va be’.
Ci sono due amiche, un’attrice e un’impiegata di rango, che in una non proprio maledetta domenica mattina provano la scena d’una commedia con la quale l’attrice dovrà debuttare l’indomani. Per una delle due è stata una levataccia (è stata una serata ad alto tasso alcolico e sessuale). Le due non più giovanissime amiche credono di essere sole, quand’ecco uscire dalla stanza dei bambini (in assenza settimanale essendo con il padre dopo la separazione dei coniugi) un giovane uomo mezzo nudo. A questo punto si apre uno “scenario” d’incredibili stravaganti imprevedibili sorprese e “colpi di scena” nella totale confusione del giovane in mutande, che non capirà chi è l’una chi è l’altra, in uno scambio di ruoli che lasciano anche nel pubblico qualche punto interrogativo. Anche perché il finale arriva troppo all’improvviso (qualche ritocco non sarebbe sprecato) e non si ha il tempo di capire se si tratta della prova di una… scena teatrale o della vita che ha messo in scena una sua sorprendente sopresa finale.
Lasciamo agli spettatori l’interpretazione di quale scena si tratti. In questo ameno e riuscitissimo gioco delle parti, in una scrittura finalmente godibilissima e intelligente dopo tanta barbarie generale, spiccano – ovviamente – una ironica Angela Finocchiaro, con quei suoi tempi teatrali sempre a segno, e una tenerissima Maria Amelia Monti in una stupenda gara di primedonne. Non stona fra le due qui navigate e sempre seducenti attrici, uno Stefano Annoni, che, ancorché in mutande, si muove con estrema dignità professionale. Grande meritato successo di pubblico in un subisso di risate e di applausi.

Si replica fino a domenica 24.

Crisi matrimoniale tra Laura Morante e Gigio Alberti al Teatro Grassi. Ma che fine avrà fatto la giovane amante?

TheCountryOR_Morante,Alberti(di Paolo A. Paganini) Una corrente drammaturgica inglese, in parte ispirata al teatro astratto dell’assurdo, tra Ionesco e Beckett, ha imposto uno stile, inizialmente controverso, che poi ha influenzato, tanto o poco, il repertorio teatrale di tutto il mondo occidentale con indiscussi risultati critici e di pubblico. Il drammaturgo londinese Harold Pinter (1930-2008) ne fu uno dei principali rappresentanti, con un suo originale garbo stilistico, incalzante ed esasperato, teso e incombente, tra vaghe minacce e oscuri terrori. Si giunse poi – gosso modo – alla esacerbata ed esplicita violenza di Sarah Kane (1971 – morta suicida nel 1999). Entrambi, Pinter e la Kane, hanno più volte trovato celebrazioni sceniche di successo anche in Italia. Ora, al Piccolo Teatro Grassi, l’ancor giovane drammaturgo inglese, Martin Crimp (1956), in quello stesso ricco humus di agri sapori, qui sopra accennati, gravidi d’un malessere sociale e individuale senza scampo, con un’umanità della media borghesia, senza esaltanti valori morali, senza slanci ideali, in una crisi di abissali vacuità, si presenta con “The Country”, un testo del 2000, ma con tutti i caratteri di una imbarazzante attualità.
La storia si impone più come pretesto dialettico per una faida sentimentale tra marito e moglie che non per un giustificato interesse narrativo, qui abbastanza pretestuoso e usato come miccia d’incombenti esplosioni emotive. Una giovane donna, trovata esanime sul ciglio della strada, o forse no, forse drogata, o forse solo disperata e storditamente innamorata tanto da perdere i sensi per chissà quale crisi nervosa, è portata in casa dal dott. Richard, suo amante, o forse no. Ma la ragazza improvvisamente scompare, lasciando aperte molte ipotesi: uccisa e fatta scomparire dal dottore? Fuggita alla ricerca di chissà quali rendenzioni? Allontanatasi per non distruggere la già vacillante unione dei due coniugi?
La vicenda a tre è interpretata con focosa passionalità da due superbe presenze femminili: Laura Morante, la moglie che si batte con strenua e sottile abilità dialettica per salvare il vacillante menage; Stefania Ugomari Di Blas, nome interessante (nondimeno la giovane attrice), amante d’impudica passionalità che difende il suo diritto all’amore. Fra le due si colloca con esemplare equilibrio recitativo, Gigio Alberti, marito povero di spirito e di cervello, sempre abile nel trovare alibi e scuse, in un perenne gioco di bugie e di ipocrisie. Regia attenta e misurata di Roberto Andò. Un atto unico di novanta minuti, con momenti di assoluta tensione. Ottimo successo di pubblico.

Si replica fino a domenica 17.