Neorealismo e Spazialismo contro “l’arte di regime”. Ma ecco l’esasperato e doloroso realismo “popolare” di Ruffini

BAGNACAVALLO (RA), venerdì 19 febbraio ►(di Andrea Bisicchia) Visitando la mostra di Giulio Ruffini, al Museo Civico delle Cappuccine di Bagnacavallo, si rimane colpiti dalla potente maniera, tutta romagnola, nell’affrontare il realismo nell’arte, alquanto allineata al neorealismo degli anni Cinquanta, quando è iniziata l’attività artistica di Ruffini, subito scoperto da un critico importante come Raffaele De Grada, che ne curò la prima monografia, edita dalla Bottega di Ravenna. Perché De Grada? Perché lui faceva parte del Gruppo milanese di Corrente, a cui avevano aderito pittori come Birolli, Sassu, Treccani, Migneco, Morlotti, Guttuso, di cui Ruffini era amico, insieme a Vespignani, tutti artisti impegnati al recupero di un nuovo realismo che rispecchiasse gli anni del secondo dopoguerra, benché non si esaurissero soltanto in questa tipologia di espressione artistica, visto che Milano, sempre in quegli anni, fu la sede dello Spazialismo di Fontana.
Sia il neorealismo che lo Spazialismo mostrarono subito di essere dei movimenti di rottura nei confronti dell’arte del regime e, soprattutto, del “Novecento” di Funi, Marussig, Oppi, sostenuti dalla Sarfatti, che oscillavano tra un realismo metafisico e uno magico.
La Bassa Romagna, non vantava un cenacolo come quello di Corrente, ma ne aveva costruito uno attorno al maestro Luigi Varoli, amico di Depero e Pratella, nato a Cotignola, la patria del primo Sforza, di nome Attendolo (1369-1424), di cui facevano parte, oltre Ruffini, di Bagnacavallo, Umberto Folli, Domenico Panighi, entrambi di Massalombarda, e Gaetano Giangrandi di Bertinoro. Cos’hanno, costoro, in comune col movimento di Corrente? L’antifascismo, l’antimodernismo, un umanesimo, impegnato nel sociale, una nuova coscienza morale e politica e, in particolare, uno amore sviscerato per la realtà che guardava persino alle esperienze del realismo tedesco, quello della Nuova oggettività, che faceva capo a Kokoschka, Kirchner, Dix, Schad, fatta conoscere, in Italia, da una grande mostra alla Rotonda di Via Besana, curata negli anni Settanta da Giovanni Testori.
I pittori di questo movimento avevano acutizzato il realismo, esasperandolo fino alla oscenità e alla mostruosità, solo per denunziare una situazione sociale che aveva, già in sé, dell’orrido. Alla Nuova oggettività avevano guardato Birolli e Guttuso, così come avevano guardato i pittori riuniti attorno al cenacolo di Viroli.
C’è da dire che il realismo di Ruffini e compagni, risentiva molto della comunità in cui era nato, quella che aveva dato molte vite alla resistenza, o che aveva sudato per “la vita dei campi”. Costoro si mettono alla guida di una nuova coscienza artistica, facendo uso di un realismo “popolare, autentico, spontaneo” come lo definisce il curatore della mostra, Diego Galizzi. È un realismo la cui violenza andava ricercata nella pennellata forte che si sforzava di rappresentare il duro lavoro della terra, la fatica dei braccianti, dei contadini, degli operai delle saline, del dolore che ne conseguiva, quello di chi si sente crocifisso a una realtà che sa di miseria e di povertà. Ruffini cerca di mettere in scena uno spettacolo che ha per protagonisti giovani fucilati, mamme e nonne addolorate, braccianti donne e maschi che vivono di stenti, ben rappresentati nelle Nature morte con fiaschi, funghi, pigne, mele e pere, frutti e fiori della campagna romagnola. Bellissimi sono i ritratti delle donne che troviamo protagoniste anche in opere composite come “Pietà per un bracciante morto” (1950) che sembra avere a che fare con certe fucilazioni di Goya o con certe opere teatrali di Lorca. Fu proprio quest’opera a impressionare sia De Grada che Prezzolini.
Straordinario il percorso espositivo dedicato alle Crocifissioni, da quella marrone, con una forte tinta rossa di una donna piangente e con uno slippino bianco che rende pudico il Cristo assassinato (v. foto). Le varianti della Crocifissione, più di dieci, sono accomunati a animali squarciati in un macello che fanno pensare a Bacon.
La mostra raccoglie una settantina di opere che riguardano il primo periodo e che vanno dal 1945 al 1966, quando Ruffini decide di voltare le spalle al realismo perché sente che la società è cambiata, essendo subentrata, a quella contadina, la società dei consumi e della tecnica. In questi ultimi anni, Ruffini compone opere che rappresentano certi “incidenti” causati dalla civiltà tecnologica, ce n’è uno del 1964 che fa pensare a certi quadri di Depero e di Boccioni per il dinamismo delle figure e per l’impatto coloristico, non manca qualche riferimento all’Arte Pop con i “Cartelli sulla strada” e “Uomo allo stop”.
In occasione della mostra è stato pubblicato un catalogo con testi di Eleonora Proni, Monica Poletti, Eliseo Dalla Vecchia, Paola Babini, Giuseppe Masetti, Orlando Piraccini e Diego Galizzi.

“Giulio Ruffini. L’epica popolare e l’inganno della modernità (1950-1967)”. Mostra dedicata a Giulio Ruffini. Museo Civico delle Cappuccine, Bagnacavallo. Fino al 2 maggio 2021. Ingresso gratuito.
www.museocivicobagnacavallo.it

Fondazione Ligabue. Cinque anni di esposizioni e presenze internazionali. E, in futuro, Palazzo Erizzo aperto al pubblico

VENEZIA, lunedì 8 febbraio – Compie 5 anni la Fondazione Giancarlo Ligabue. Cinque anni intensissimi di impegno nella cultura, nella ricerca, nello sviluppo della conoscenza. È tempo dunque di bilanci ma anche di programmi già definiti per il prossimo triennio.
La base è a Venezia, ma dalla città lagunare lo sguardo della Fondazione Giancarlo Ligabue è sempre stato rivolto al mondo, per scoprire culture e civiltà diverse, interrogarsi su tanti fronti del sapere e dell’Umanità, della scienza e dell’arte, operando per la tolleranza, il dialogo, la scoperta.
Il primo lustro segna dunque un traguardo importante, rafforzato lo scorso anno dall’intitolazione – da parte del Comune di Venezia e della Fondazione Musei Civici di Venezia – del Museo di Storia Naturale a Giancarlo Ligabue: lui che aveva rinvenuto nel deserto del Teneré e poi donato al Museo veneziano il famoso dinosauro (v. foto sotto), ora nel percorso museale, e che tanto impegno aveva speso per il Museo.
Eventi che aprono la Fondazione Giancarlo Ligabue anche al dialogo e al rapporto con Istituzioni internazionali prestigiose e a partnership di primo piano, come quella siglata con il Musée du quai Branly – Jacques Chirac di Parigi, co-promotore dell’esposizione che la Fondazione organizzerà a Venezia dal prossimo 15 ottobre 2021 – a Palazzo Cavalli Franchetti – e che si terrà in seconda sede presso il museo francese: “Power & Prestige. L’arte dei bastoni del potere in Oceania”.
Il 2022 vedrà la Fondazione impegnata su un diverso ambito culturale – sul quale si sviluppa un’attenzione collezionistica e di studio – con la mostra “De visi mostruosi. Caricature da Leonardo a Tiepolo”, disegni originali, incisioni, acquarelli e preziosi libri a stampa per mostrare la continuità di una tradizione nell’Italia settentrionale che, dal grande Da Vinci, prosegue nei secoli. provenienti da importanti musei internazionali dalla fine del XV al XVIII secolo, ovvero ritratti grotteschi e caricature “teste caricate”: una selezione di “Testa di vecchia” attribuita a Leonardo da Vinci, esposta per la prima volta al pubblico, attorno a una decina di notevoli disegni inediti della Collezione Ligabue.
Quindi, nel 2023, la scena sarà per “Animal Art”. In un anno importante – in cui verrà anche ricordato mezzo secolo di impegno Ligabue nella cultura, dapprima con il Centro Studi e Ricerche ora attraverso la Fondazione – il programma prevede una mostra di forte interesse, centrata sulle rappresentazioni zoomorfe dal III millennio alla Roma antica nell’area del Mediterraneo, con richiami e focus a culture extraeuropee di indubbio fascino.
Accanto agli eventi espositivi, proseguiranno nel prossimo triennio anche le altre attività: le Conferenze e i Dialoghi della Fondazione, la messa a disposizione del patrimonio documentario attraverso un archivio, le collaborazioni su progetti specifici con il Museo di Storia Naturale di Venezia e con l’Università Ca’ Foscari.
Infine tra gli obiettivi ambiziosi per il futuro, l’apertura di Palazzo Erizzo-Ligabue al pubblico per la visita a piccoli gruppi.
Senza rinunciare alla flessibilità espositiva per le mostre temporanee, s’intende infatti rafforzare il legame tra il pubblico e il prestigioso edificio che è sede della Fondazione sul Canal Grande, in modo che la Collezione esposta a rotazione diventi accessibile, su prenotazione e a numero chiuso, attraverso visioni continuamente nuove.

(p.a.p.)

www.fondazioneligabue.it

Frida Kahlo. Tutti i colori del Messico per il “caos dentro” di un’icona della pittura. In una mostra multimediale a Milano

MILANO, domenica 11 ottobre – (di Patrizia Pedrazzini) Per gli appassionati di Frida Kahlo – e delle mostre multimediali – c’è a Milano, alla Fabbrica del Vapore (sempre più attenta a coniugare arte e tecnologie), una coloratissima esposizione, o se si preferisce un “percorso sensoriale”, che consente al visitatore di immergersi nella vita della pittrice messicana. Esplorandone la dimensione artistica, ma anche quella umana e spirituale.
La mostra, che rimarrà aperta fino al prossimo 28 marzo, ha per sottotitolo “Il caos dentro”, e certamente mira anche a evidenziare – non potrebbe essere altrimenti – le appassionate e drammatiche vicende personali dell’artista, morta a 47 anni dopo che, appena diciottenne, era rimasta vittima di un incidente che le massacrò il corpo, costringendola a 32 interventi chirurgici, anni di riposo forzato a letto, busti di gesso e dolori lancinanti per il resto dell’esistenza.
Tuttavia, l’esposizione, fatti salvi gli aspetti multimediali, è anche e soprattutto un tuffo nei colori, nelle tradizioni e nella cultura del Messico. Cui appartengono, per esempio, gli sgargianti abiti che, in una sala, “raccontano” i vestiti dei quali Frida amava adornarsi: gonne lunghe, ampie e coloratissime, scialli, camiciole, e ancora copricapo e collane. In un tripudio di rossi, di gialli, di verdi, di azzurri e di blu. A far da contrasto al candore di una sottogonna di pizzo, o di una morbida blusa. Analogamente, pieni di colori e di vita sono i sette busti in gesso che altrettanti artisti contemporanei hanno voluto rielaborare ispirandosi ai corsetti che Frida era costretta a usare e che lei stessa dipingeva. Compreso quello, celebre, con il disegno della falce e martello e del bambino in grembo (la pittrice perse un bambino a causa dell’inadeguatezza del suo fisico e non ebbe mai figli, cosa che rappresentò il suo più grande dispiacere).
Ancora, all’insegna del colore sono gli ambienti, fedelmente riprodotti, della Casa Azul (Casa Blu) di Coyoacán, sobborgo di Città del Messico, dove Frida era nata, nel 1907, e che oggi è un museo aperto al pubblico. La camera da letto nella quale morì, nel 1954, a seguito di un’embolia polmonare, fedelmente riprodotta anche negli oggetti in essa raccolti: sculture in pietra e pupazzi di cartapesta, quadri, fotografie, libri, mobili e le stampelle personali. L’atelier, con la scatola dei gessetti colorati, le boccette dei colori, i pennelli, la sedia a rotelle e il cavalletto. Il giardino, con la vegetazione lussureggiante che Frida stessa curava, le aiuole con i muretti gialli e lo sfondo delle pareti blu con le finestre verdi.
Tanto colore, quindi, e tanto Messico. Inevitabilmente. Ma anche una sezione riservata alle intense fotografie in bianco e nero che le scattò il colombiano Leo Matiz. E una sala dedicata alla riproduzione, in formato modlight (una particolare forma di retroilluminazione) di quindici fra i suoi più conosciuti autoritratti. Mentre più spazi e momenti la mostra riserva alla figura del pittore e autore di murales messicano (noto per le tematiche politiche e sociali delle sue opere) Diego Rivera, che Frida sposò e risposò (nel 1929 e nel ’40): un rapporto fondamentale per la vita della pittrice, fatto di passione e di tradimenti reciproci. Ecco allora le lettere di lei a lui e di lui e di lei ai rispettivi amanti, le cartoline, i disegni, nonché le proiezioni di alcuni fra i più conosciuti murales che l’artista firmò in varie parti del mondo, dai 27 pannelli del “Detroit Industry Murals” di Detroit appunto, al “Pan American Unity Mural” di San Francisco, al “Sueño de una tarde dominical” di Città del Messico.
E ancora musiche, video ad altissima risoluzione, suoni ed effetti speciali. E una raccolta di francobolli emessi da diversi Paesi, in diverse ricorrenze, in omaggio alla Kahlo.
Un intero mondo e, in quel mondo, un’intera vita. “Non sono malata. Sono rotta. Ma sono felice, fintanto che potrò dipingere”.

“Frida Kahlo. Il caos dentro”, Milano, Fabbrica del Vapore, via Procaccini 4, fino al 28 marzo 2021
www.mostrafridakahlo.it

Luciano Ventrone, il “Caravaggio del XX secolo”, al MART di Rovereto. Un realismo che appare più vero del vero

Luciano Ventrone nasce nel 1942 a Roma, dove vive e lavora. Frequenta il liceo artistico e dopo il diploma conseguito nel 1964 si iscrive alla facoltà di architettura che frequenterà sino al 1968; in quell’anno, decide di abbandonare gli studi per dedicarsi interamente alla pittura, in particolare al tema delle nature morte e ai vari aspetti della natura.

ROVERETO, sabato 10 ottobre – Contestuale alla mostra “Caravaggio.  Il Contemporaneo”, che offre ai visitatori l’opportunità di ammirare “Il seppellimento di Santa Lucia”, di Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio, al MART di Rovereto, viene data la possibilità di visitare anche la mostra dedicata a Luciano Ventrone, definito da Federico Zeri “il Caravaggio del ventesimo secolo”.
Le nature morte iperrealistiche di Luciano Ventrone (Roma, 1942), divenuto famoso per il suo virtuosismo e per le stupefacenti riproduzioni in pittura di una realtà che appare più vera del vero, innestano un dialogo indubbiamente stimolante in rapporto con l’opera di Caravaggio, laddove nelle opere di questi e di Ventrone – definito da Federico Zeri “il Caravaggio del ventesimo secolo” – si evidenziano, secondo Victoria Noel-Johnson curatrice della mostra, diversi ma complementari approcci al “non vero”: una percezione sottilmente velata di una realtà superiore, la grande illusione di una “ultra-realtà” in contrapposizione a una falsa impressione”.
Ecco allora che la mostra “Luciano Ventrone. La grande illusione”, ideata da Vittorio Sgarbi e Lorenzo Zichichi e concepita con le sue 18 opere tematiche come un Focus nell’ambito dell’esposizione “Caravaggio. Il contemporaneo” – con cui il Presidente del Mart di Rovereto intende mettere in luce l’assoluta attualità del Maestro lombardo per gli artisti e le società contemporanei – diventa l’occasione più appropriata per indagare questo singolare rapporto.
Le assonanze e i richiami a Caravaggio non mancano, come il richiamo puramente compositivo e stilistico di talune nature morte esposte al Mart – come “Il dono di Bacco” (2011) e “Strani compagni” (2012) fino al “Canestro di frutta” di Caravaggio; ma l’artista mira a bilanciare questi richiami sviluppando – come scrive la curatrice nel catalogo edito da Il Cigno GG Edizioni, Roma – un tipo di natura morta altamente unico, che vede l’applicazione di luce e colore come fulcro catalitico in grado di convertire gli apparentemente ordinari soggetti della tela in una visione impressionante di “non vero” metafisico”.
Sono dunque le distinzioni nell’approccio di luce e colore tra Ventrone e Caravaggio che vanno segnalate: da un lato l’uso drammatico, teatrale, emotivo dell’illuminazione da parte del Merisi, dall’altro la luce immanente in cui Ventrone immerge i suoi frutti e fiori: una luce che risiede all’interno e irradia verso l’esterno, diventando sostanza integrante di ciò che illumina.
Una luce che secondo la Noel-Johnson esalta il colore, facendo assumere alle sue tonalità proporzioni quasi magnetiche e ipnotiche, trasformando oggetti di uso quotidiano “in elementi soprannaturali”.
La luce – scrive Vittorio Sgarbi nell’introduzione al catalogo – si mette al servizio dell’oggetto e, attraverso il riflesso, diventa materia, diventa sostanza integrante di ciò che illumina. È la luce immanente, luce che sta dentro le cose, che proviene da esse. È la luce/materia che rimanda alle origini dell’arte italiana prospettica, a Piero della Francesca, ovvero al concetto neoplatonico di luce come emanazione, come contenuto della forma-idea, come fattore strutturale e decisivo della harmonia mundi.”
Una rappresentazione teatrale della realtà quella di Ventrone, che posiziona meticolosamente sulla tela i soggetti naturali assegnandogli un ruolo centrale e non relegato o secondario; “quasi una performance di natura barocca con un’enfasi drammatica” accentuata anche dalla mediazione della fotografia che nel processo creativo di Ventrone – consentendo di ricercare dettagli non visibili all’occhio umano – rafforza la visione “metafisica”.
L’artista – suggerisce Sgarbi – sembra cercare un assoluto, una essenza, che, nell’opera, cresce la realtà, non si limita a riprodurla. È di più. Ventrone è il pittore dell’iperbole. E iperboliche, esagerate, barocche appunto, sono le sue opere, piuttosto che iperrealistiche. Una grande illusione” o, per dirla con Victoria Noel-Johnson “la grande illusione della straordinaria metamorfosi dell’ordinario“.

MART-Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto. 9 ottobre / 14 febbraio 2021 – “La grande Illusione” da un’idea di V. Sgarbi e L. Zichichi – Corso Bettini 43– Tel. 800 397760.
www.mart.trento.it